Archive for June 2006

El simbolismo de los nombres en “La Casa de Bernarda Alba”

June 26, 2006

El nombre es lo que identifica a una persona en lenguaje.  Porque personas siempre están examinando, definiendo, y redefiniendo sus identidades, el nombre ha tomado mucha importancia sentimental.  El apellido se pega una persona a una familia y pues una historia.  Muchísimos nombres tienen un significado en una lengua muerta: por ejemplo, <Emmanuel> es hebreo para <Dios es con nosotros,>  y <Niké> significa <victoria> en alguna lengua anciana africana.  Muchas personas reciben nombres que las identifican con una persona en el pasado: yo tengo el mismo nombre de mi padre y mi abuelo.  En La Casa de Bernarda Alba, Federico García Lorca usa los nombres en la misma manera simbólica.  Cada personaje tiene un nombre que representa su personalidad, de Bernarda Alba a Enrique Humanes.  En este ensayo, doy mis interpretaciones de esta nomenclatura.

Alba: Esto es el apellido de la familia, y establece perfectamente que Bernarda y sus hijas tienen riqueza y estatus.  La casa de Alba siempre ha sido una de las más poderosas y ricas en toda España.  La rama de Bernarda, aunque se parece menor porque sus miembros no tienen títulos, aún tiene una propiedad sustancial, con segadores en la tierra y criadas en la casa (Lorca 85).  Por eso, Bernarda mantiene una actitud feudal de superioridad sobre todos sus vecinos comunes.  Depende en Poncia para su chismoso porque nunca sale de la casa para mezclarse con el pueblo sucio (103-4).  Tiene la actitud de la nobleza con respecto a amor, también: no permite a sus hijas tener novios porque <<los hombres de [allí] no son se su clase>> (106), y impulsa a Pepe el Romano casarse con Angustias en vez de Adela porque en su opinión, la hija mayor siempre debe casarse antes de la hija menor.  El apellido de la familia explica su fortuna y su aislamiento.

Enrique Humanes: Su nombre, que es común como su estatus, es el fondo para mi favorito juego de palabras en todo el libro.  Enrique pretende a la mano de Martirio en matrimonio, pero Bernarda lo rechaza por su clase.  Exclama Bernarda, <<¡Yo lo haría mil veces!  ¡Mi sangre no se junta con la de los Humanes mientras yo viva!>> (160).  <Humanes> es muy similar a <humanos>, y me parece que las hijas de Bernarda no van a casarse con ningunos de estos por su orgullo en su estación.

Bernarda: <con fuerzo de oso>.  Seguramente es un nombre adecuado.  Parece que todas las frases de Bernarda incluyen signos de exclamación.  Proyecta su poder con gritos, mandos, y violencia.  Nunca vemos características simpáticas en Bernarda, en toda escena está intimidando a los otros personajes.

Angustias: <aflicciones, preocupaciones>.  Como la heredera de la propiedad familiar, y con sus enfermedades, fealdad, y envejecimiento, Angustias siempre tiene angustias.  Tiene presura tremenda casarse y tener hijos, pero aún cuando tiene a Pepe, no se siente bien: <<Debía estar contento y no lo soy>> (181).  Es interesante también que todas las hijas excepto Adela tengan nombres con connotaciones negativas.  Todas son infelices.

Magdalena: <triste>.  Llorar muchísimo es <llorar como una magdalena>.  Según tradición, María Magdalena conoció a Jesús mientras ella lloró y lavó sus pies.  Magdalena es la única que llora la muerte de su padre, y además, se parece como una mujer miserable, siempre quejando e insultando.

Amelia: <sin miel>.  Amelia no es antipática pero no es simpática tampoco.  Le ayuda a Magdalena insultar a Angustias, participa en chismosos, y no parece tener interés en hombres o en amor.  <<Nacer mujer es el mayor castigo>>, dice (144).  Su personalidad es sin dulzura.

Martirio: <sufrimiento lento y duro>.  Primeramente, Bernarda cierra su relación con Enrique Humanes.  Considerando la infrecuencia de interés masculino en esta familia, esto sería doloroso.  Entonces, está enamorado con Pepe el Romano, pero Adela tiene su cuerpo y Angustias su anillo.  No hay nada para Martirio.  Todo que Martirio puede hacer es hacer un mohín, robar el retrato de Pepe, mentir cruelmente a Adela.  En vez de ayudando a sus amigas, trata compartir su sufrimiento con ellas.

Adela: <nobleza> es la traducción literal.  Adela tiene el sentido de derecha y el capricho de una princesa: quiere tener toda que quiere, y pronto.  Pero me gusta también la similitud entre su nombre y la palabra <adelante>.  Adela quiere saltar delante de todas sus hermanas en el orden de matrimonio.  Probablemente es la primera hermana tener relaciones sexuales.  Aunque es la última hermana, supera la primera.

María Josefa: Es un nombre común, y también tiene antecedentes bíblicas.  María y José (la forma masculina de Josefa) eran los padres de Jesucristo.  En la misma manera, María Josefa es el padre viviente de Bernarda, aunque obviamente no era una madre tan buena como Santa María.  Las traducciones literales de los nombres son <amarga> para María y <Dios aumentará> para Josefa.  <Amarga> es apropiada para María Josefa, quien le odia la casa y quiere marcharse de la casa.

Poncia: Es otro nombre con connotaciones bíblicas.  En esta cosa, el tocayo es Poncio Pilato, quien tenía el poder para parar la muerte de Jesucristo pero se lavó sus manos en cuanto a la responsabilidad.  Poncia sabe que hay una relación sexual entre Pepe y Adela, y esto puede resultar en una explosión, pero decide que no puede hacer nada para evitarla (187, 190).  Va a dormir en vez de observando vigila, y por eso, la situación explota y Adela muere.

Pepe el Romano: El hombre más importante en la obra tiene un nombre perfecto para su personaje.  De un lado, su nombre, <Pepe>, es un apodo para <José>, y estos dos parece como los nombres más comunes en toda España.  Además, le falta un apellido.  Por eso, Lorca establece que Pepe es un hombre común.  De otro lado, tiene bastante riqueza para comprar un anillo para Angustias, y pues tiene algún dinero, y su otro apodo, <El Romano>, significa que él es fuerte como un soldado romano.  Por sus calidades masculinas, puede dominar los pensamientos de todas las mujeres en la casa, incluido Bernarda.

Paca la Roseta: Esta mujer humilla a su esposo con sus acciones sexuales.  Su nombre es común como su estatus, y su apodo significa <la vergüenza>.

Prudencia: Es una mujer quien es una amiga de Bernarda.  Su nombre es su virtud.  Mientras Bernarda siempre grita y trata forzar a su familia obedecerla, Prudencia es más tranquila, más paciente con sus decisiones, más prudente.  Ella parece criticar a Bernarda para <<bregando como un hombre>> (175).  Presente una manera diferente de dirigiendo un casa.

Antonio María Benavides: Es el esposo de Bernarda Alba, pero los personajes sólo usan su nombre en la funeral.  Para todos los otros tiempos, es solo <tu padre>.  Es como no tiene una personalidad u identidad en los ojos de su familia.  Probablemente Bernarda siempre tenía el poder en la familia.

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Dalí: Cristo de San Juan de la Cruz

June 26, 2006

Salvador Dalí es más famoso para sus pinturas surrealistas de las décadas 1930 y 1940, pero continuó pintando para casi cuarenta años después de esta época.  Volvió a España y se hizo un católico fiel y un partidario de Franco (Bassegoda).  Mientras sus pinturas siempre eran originalísimas y extrañas, empezó a crear obras con temas religiosas y un estilo más clásico.  Por ejemplo, Corpus hipercubus o Crucifixión (1954) y La Última Cena (1955) funcionan como pinturas religiosas y también estudios de geometría, consiguiendo la tradición de los italianos del Renascimiento, mientras tratando sus sujetos en maneras originales.  Esta época inspiró a Pablo Picasso declarar que Dalí era <<el último pintor renacentista que le queda al mundo>> (Cristo).  Cristo de San Juan de la Cruz (1951) refleja la nueva mezcla de clasicismo y modernismo de Dalí perfectamente.  El técnico no es vanguardismo en ninguna manera; lo que distingue esta obra es el concepto.  Dalí retrata la Crucifixión de Jesucristo de una nueva perspectiva, con poder emocional y una sofisticación teológica que es francamente sorprendente.

El primero punto de interés de Cristo de San Juan de la Cruz es el título, que refleja la nueva filosofía de Dalí.  San Juan de la Cruz era un místico del Siglo XVII y un amigo y contemporáneo de Santa Teresa de Jesús en Ávila.  Durante un éxtasis espiritual, hizo un dibujo de la crucifixión de un punto de vista arriba de Jesús (Descharnes 169).  Por usando este dibujo por inspiración, Dalí está continuando la tradición mística en España.  Esto era el gol de muchas de sus pinturas: en su Manifiesto místico, hecho en el mismo año de este Cristo, dice que es el <<inventor de la nueva mística paranoicocritica y, como su propia nombre, el salvador de la pintura moderna>> (157).  Según Dalí, el misticismo era la única filosofía de su edad que podría comprender el nuevo mundo atómico, con su nueva metafísica y nueva ciencia.  <<¡Muerte al academicismo, a las fórmulas burocráticas del aire, al plagio decorativo, a las débiles aberraciones del arte africano!  ¡A mí Santa Teresa de Ávila!>>

Los sueños eran una inspiración para muchísimos de las pinturas de Dalí, especialmente los de su época surrealista.  El mundo de sueños es libre de las reglas del mundo físico: sin reglas y razón, la mente inconsciente puede moverse en cualquiera dirección quiere, superando la mente consciente.  Como los místicos, los analistas de los sueños, como Freud, buscan afuera del mundo físico para la verdad.  Mientras los místicos turnan a Dios para la verdad, los freudianos prueban los sueños y los lugares oscuros en las profundidades de la mente.  Interesantemente, Dios usa los sueños muchas veces en la Biblia: José, hijo de Jacobo, interpreta sueños para salvar a su familia y egipcios de la hambruna.  Dios tranquiliza a San José sobre el embarazo de su novia, Santa María, por un sueño, y también usa los sueños para salvar al niño Jesús del mal rey Hérodo.

En el Cristo, como en las obras de su pasado, Dalí reclamó sus sueños por inspiración.  En el primero sueño, vio al Cristo crucificado en Port Lligat (su hogar), en el estilo del dibujo de Juan de la Cruz, y oyó unas voces que lo mandaron pintarlo.  El segundo, que él tenía durante la producción, lo aconsejó pintar el Cristo bello, sin lesiones o sangre, y poner pescadores de unas pinturas de Le Nain y Velásquez en Port Lligat en vez de los pescadores nativos (Cristo).  Los sueños también revelaron a Dalí que la forma de Jesucristo en esta pintura se ve como el núcleo del átomo.  Pues, Jesús, como el átomo, y más que el átomo, es la verdad más fundamental en todo el mundo (Descharnes 169-170).

El misticismo y la interpretación de sueños son las influencias filosóficas de la obra.  Para el estilo de los dibujos, Dalí cuenta con las tradiciones del oeste.  Hay una tradición rica de las pinturas de la crucifixión, incluido dos de maestros españoles: Velásquez y Goya.  El Cristo de Dalí, como estos dos, solo tiene el color negro en el segundo plano detrás de la cruz.  El cuerpo de Cristo es físicamente perfecto, proporcionado como un modelo del Renacimiento.  Además, esta pintura, como Corpus hipercubus y La Última Cena, es un estudio geométrico en el estilo renacentista: el cuerpo de Cristo forma un triángulo mientras su cabeza es un círculo inscrito dentro (Descharnes 170).  Las nubes debajo de la cruz son bellas y realistas, y el color del cielo aquí me acuerda de la mezcla de azul y plomo de los cielos de Velásquez.  El paisaje, con los pescadores rústicos derivado de Velásquez y Le Nain, puede ser parte de una obra realista.  Esta obra no es como una obra de Picasso – es revolucionaria para su contenta, no para su estilo.  Refleja el gran respeto que Dalí tenía para los maestros del pasado, para sus métodos y sus creencias filosóficas y religiosas.

Aunque el fondo de muchas de las decisiones artísticas de esta pintura son sueños, la obra es bella y comprensible como arte.  El mensaje de la pintura es muy sofisticada, y muy central al cristianismo, y me sorpresa que yo no lo haya encontrado en mis estudios del cuadro.  Esta obra no es solamente un retrato de la crucifixión.  No solamente indica por su geometría que Cristo es la verdad más fundamental en todo del mundo, aunque esto es un mensaje profundo.  Cristo de San Juan de la Cruz es un retrato del papel metafísico de la crucifixión en la historia de la humanidad.  Todos los componentes controversiales, todos los componentes que Dalí recibió de sus sueños, contribuyen a este mensaje.  Quizás Dios hablara con Dalí como hablara con San José.

Primeramente, tengo que explicar la teología cristiana.  Según cristianismo, Dios nos creó en su propia imagen, pero también nos dio la elección libre para amarlo, y hacer bueno, u odiarlo, y hacer mal.  Dios no puede aguantar el mal, y por eso desde la caída de Adán y Eva y su expulsión del Jardín de Edén, los pecados han separado la humanidad de Él.  Para reunir y reparar las relaciones con Dios, se puso costumbre para los judíos sacrificarle algunas posesiones valuables – animales, comida, dinero.  Estos funcionaron para cosas sencillas, pero ¿cualquier sacrificio nos permitiría viviría con Dios en el Paraíso?  ¿Cualquier sacrifico redimiría todos los pecados de la historia de humanidad?  No cantidad de animales sería suficiente.  En lugar de esto, Dios ofreció su propio hijo, Jesucristo, como sacrificio.  Porque Jesucristo era verdadero hombre y verdadero Dios, podía llenar el vacío entre Dios y la humanidad para siempre.  El momento de este sacrificio era la Crucifixión.  Por eso, en la teología cristiana, la crucifixión no sólo es físico – es cósmico, lo que nos salvó para eternidad.

Esta es la realidad de Cristo de San Juan de la Cruz.  La gran mayoría de pinturas de la Crucifixión tiene un directo punto de vista, directamente en frente de Cristo como un retrato.  Por eso, vemos a Jesús como somos espectadores la crucifixión, y nos inspiran reflejar sobre nuestros propios pecados – porque Jesús murió para estos, también.  Si hay detalles en el segundo plano (y en el Cristo de Velásquez, no hay), son históricas, como los soldados romanos, las mujeres llorosas, o un paisaje desolado.  El Cristo de San Juan desbarata estas convenciones.  En vez de la perspectiva de un humano, vemos la crucifixión de la perspectiva de Dios.  Debajo de nosotros está la cruz, y debajo de la cruz está el mundo temporal, con sus pescadores (y pecadores).  La cruz literalmente conecta Dios con el mundo.  El segundo plano detrás de Cristo es negro en esta obra, pero no es para ayudar nuestra concentración, como el de Velásquez: es porque la cruz, y Cristo, ocupa un espacio entre el mundo y el cielo, en que no hay objetos físicos, representando su carácter universal.  De su posición arriba, Cristo puede observar todo que ocurre en nuestro mundo, todo para que sacrificara su vida.

Dalí pintó este Cristo sin daño físico, y explicó que quería representarlo bello, como un Dios.  Esta estrategia es práctica para expresar el mensaje espiritual, también.  Las lesiones visibles de Cristo, como el paisaje y los soldados romanos, son detalles de la historia, pero su sufrimiento, su muerte, y su divinidad son lo más importante, y Dalí representa estos bien con su figura, especialmente porque no podemos ver su cara, como los judíos del Antiguo Testamento.

El paisaje tiene interés, también.  El fondo de la cruz toca la parte de arriba de las nubes, manteniendo la relación entre Cristo y el mundo.  Las nubes son etéreas y oscuras, una buena transición entre el parte espiritual y el parte físico.  El paisaje es Port Lligat, el hogar de Dalí y Gala en España, y por eso la obra puede tener importancia personal para el pintor: Dios siempre está cuidando y salvando a él y su familia, también.  Los pescadores, como dije antes, son productos de pinturas de Velásquez y Le Nain.  Es interesante que éstos sean los representantes de la humanidad en el cuadro porque los primeros apóstoles de Jesucristo eran pescadores, también.  Esto puede reforzar que Jesucristo salva a las personas de todas las épocas.  Finalmente, estos pescadores no están mirando a Jesús; están trabajando.  Esto puede asemejarse a la ignorancia que muchas, casi todas personas tienen sobre la presencia constante de Jesucristo en sus vidas.  Y esto no es todo malo – tenemos que trabajar para nuestro pan de cada día debido a la maldición anciana de Adán y Eva.

Me sorprendí aprender que Dalí, el creador de El gran masturbador y Joven virgen autosodomizada, había hecho obras religiosas, pero esto simplemente ilustra la complejidad de cada persona y la imposibilidad de catalogando ninguna persona en sólo un estilo.  Cristo de San Juan de la Cruz es una obra maestra.  Es tan fresco y original que puede ser una pintura nueva, pero con estilos tan clásicos que parece que siempre ha existido.  Es una de las obras más profundas del arte cristiano y místico en el siglo XX.

Fondos

Bassegoda i Nonell, Joan.  <Arte Religioso de Salvador Dalí>.  Gaudi Club:  <http://www.gaudiclub.com/esp/e_equipo/cg/e_dali.asp&gt;.  21 Jun. 2006.

<Cristo de San Juan de la Cruz>.  Via Artis.  <http://www.viaartis.org/es/Dali/PIC_Dali-GAGx1951.php&gt;.  21 Jun. 2006.

Descharnes, Robert ; Néret, Gilles.  Dalí.  Taschen, 2004.  Madrid.

El Cristo Crucificado – Velázquez

Cristo Crucificado – Goya

The Passion

Grünewald, Mathis Gothart

La Tentación de San Antonio (1946)

La Madona de Port Lligat (1950)

Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

Assumpta corpuscularia lapislazulina (1952)

Corpus Hipercubus (Crucifixión) (1954)

La Última Cena (1955)

El Concilio Ecuménico (1960)

“El coloso” de Goya

June 4, 2006

Francisco Goya pintó El coloso (1808-1812) durante la Guerra de Independencia de España.  Es considerado un precursor de las “Pinturas Negras” (1819-1823) porque utiliza los mismos colores oscuros y ambiente amenazador.  Esta obra retrata el coloso, un hombre antipático y grandísimo, marchándose de un paisaje en la noche mientras personas y animales huyen de él en terror.  Expertos dicen que la pintura es un comentario general sobre el pánico, la confusión, y el terror que resultan de la guerra, y en particular, la invasión terrible de Napoleón y el ejército francés de España.  Hay expertos que reclama que El coloso es un polémico contra el absolutismo de Fernando VII, pero en mi opinión, esto sería un anacronismo.  Las creencias de Fernando VII no eran un problema para España y Goya hasta los 1820.  En mi comentario, voy a considerar El coloso primeramente con respecto a la Guerra de Independencia.

En los años de la Guerra de Independencia, Napoleón se elevaba encima del continente de Europa como un coloso.  Era el Emperador del país más avanzado de África, Egipto, y de todo de la Europa sino Inglaterra, Portugal, y Rusia.  Su ejército tenía dos millones de soldados disciplinados y seguros de sí mismos.  Las fuerzas de Francia eran rápidas y terribles.  Violaban, destrozaban, y mataban mucho y con facilidad.  En comparación, los españoles eran desesperados y desorganizados.  No podían competer con los franceses.  Afortunadamente, Napoleón no tenía interés en la eliminación de España.  Estaban marchando por el país para atacar Portugal.

Goya simboliza esta situación en su obra.  El coloso simboliza Napoleón y su ejército.  Es grandísimo y feroz: su cuerpo ocupa dos tercios de la altura de la pintura, y lo que podemos ver de su cara es antipática.  Su cuerpo más que cien veces más grande y más desarrollado que alguna otra figura.  Es la única persona con músculos dibujados y una cara.  Para mí, la disparidad en la talla entre el coloso y las otras personas refleja el poder increíble de Napoleón, mientras la disparidad en la complejidad entre los dibujos del coloso y de los otros refleja la gran importancia histórica entre Napoleón y personas comunes.  Ahora, sabemos y enseñamos mucho de Napoleón: su personalidad, sus gustos, sus deseos, su pasado, pero no recordamos los detalles de los plebeyos.  Sería imposible recordarlos, y no ayudarían la historia, como no ayudarían esta pintura.

Debajo del coloso, docenas de hombres y ganado están huyendo: los hombres y sus caballos a la izquierda, y los toros a la derecha.  Hay algunas cosas interesantes en este caos.  En el centro, hay un asno con una carreta que está inmóvil.  Se parece que sea demasiado confundido para apreciar la situación.  A la izquierda del asno es un hombre cayendo de su caballo.  Probablemente será pisoteado por los otros caballos y morirá, una víctima del pánico.   A la derecha al asno es un grupo pequeño de personas que están inmóviles para otra razón.  Hay una mujer vestida en roja y negra, desmayándose o muriendo, y tres hombres están ayudándola.  Uno se lleva blanco y azul, el opuesto de la mujer.  Otro ha levantado sus manos al cielo, y me parece que esté gritando al cielo.  Esta escena es poderosa pero fácil para ignorar por el tamaño de los participantes – como todas las tragedias de las personas comunes durante una guerra.

Finalmente, la estructura de la pintura es simbólica.  El coloso está en el segundo plano, en la izquierda, mirando y marchándose en la otra dirección de sus víctimas, quienes están en el primero plano.  Esto simboliza el desinterés de Napoleón en España a pesar del daño que infligió allí.  Su gol siempre era Portugal.  Además, las personas están dentro de una valle, que me acuerda de la valle en los Pirineos entre Francia y España.

Esta obra me atrae por su verosimilitud.  Refleja el terror de la guerra y la insignificancia del sufrimiento de los pobres en los ojos de las personas poderosas.  Simboliza una persona con importancia histórica en una manera interesante.  El retrato del coloso, envuelto en la oscuridad y las nubes, se ve interesante, también.  En todo, El coloso es una pintura original y significante.

First impressions of Madrid

June 1, 2006

Okay. I´ve just bought 30 minutes of time at the locutorio (Internet cafe) for $1. It won´t give me enough time to edit everything so that it sounds smooth, but that´s my life here in Madrid. I needed to write -something-.

First of all, I´m in good health; I haven´t gotten robbed; everything´s gone according to plan so far. The fresh start I´m getting here is just what I needed. I have time to sleep 8 hours a night, and I´ve even woken up early to run, 15 days in a row. So, I feel healthier than I have in a while.

How well am I speaking Spanish? I´m doing better than I ever have – I could function as a citizen of this country – but I still feel like I´m 8 years old. If it´s conversation, any sort of accent trips me up. If it´s reading, I have to consult my dictionary multiple times per page. It´s a good thing I´m studying here in the fall, as well, because 6 weeks isn´t nearly enough time to develop fluency.

My host family consists of these members: Lili Garcia, in her 60s, who runs the house and is a very good cook. If I weren´t running every day, I´d be exploding from the massive quantities I eat here. Pepe, her husband of 44 years. He is a farmer, and he spends the majority of his time tending the family´s land in Azturias (the colony to the North). They are Bush fans. Jorge, 39 years old, a chauffer. Maria Josefa, 33 years, a secretary. I don´t know their political positions, and they aren´t married yet…an interesting case which will become a column later. And Gabriel, Boston University senior, a Cuban whose Spanish is very easy to understand, thank God.

Now, I´ll address some common Spanish stereotypes with my early verdict on them:

1. Spanish people are lazy: False. Yes, there is a 3-hour siesta from 2-5 PM each day, but everyone still works 8 hours. The usual rhythm is 9-2, 5-8. In my opinion, this is more efficient than the American system because we usually start dragging between 3 and 4 o´clock. Madrid could pass for an American city.

The lazy stereotype does apply to two groups of people: bankers and government workers. Bankers work 8:30-2 and then go home. As for the latter, it´s the dream occupation in Spain. Bureaucrats work only 4 hours a day, with the usual vacation time or more, and get paid the same salary as everyone else. I worry sometimes because so many enterprising, bright young Americans go to Washington to disappear among the papers instead of making a contribution in business or the arts. Here, the problem is even worse.

2. Only old people go to church: Probably True. Old people are the majority of the attendants at my Mass, but there are a LOT of them. There are Catholic churches on every street corner, and none of them are in danger of going out of business. I do see some young people around the pews, however, and the University I attend has perpetual adoration of the Holy Eucharist in the Economics department every Thursday. Can you imagine that happening at Duke?

3. Everyone here has STDs: Many of them do. 2.6% of the people in this country (1 out of 40) are addicted to cocaine. Drugs are cheaper, better, and more popular here than in most other countries. Condoms are expensive. The night clubs are always pumping. So, we know the lifestyle is a little wild. Also, there´s TNA (ie public displays of affection) going on everywhere. Every single time I walk somewhere, I pass two people making out. They certainly do know how to have fun. I have not, however, read any numbers about the STD problem, so this is only my guess.

4. Duke students come to Madrid to drink and speak English: Half-True. 50% are going out every night, though none of them are particularly boorish. I am the only person who´s speaking Spanish on a consistent basis. So, every day I have to make a series of choices between getting to know my fellow Dukies better and immersing myself into the language and culture. I think I´ve done a decent job of balancing them so far, but I wish I didn´t have to do so.

The biggest lesson I´ve learned so far: human beings are generally the same. Yes, they speak another language and live across the ocean from us, but deep down inside, we´re all the same. It´s inspiring to see that it´s true.

OK, I´m out of time. Adios, and Dios le bendiga.